was organized by Bedford Gallery at the
Lesher Center for the Arts, Walnut Creek, CA
Claudia Blanco, 8-Bit Frida, 2017, acrylic on canvas, 24 x 18”
Carlos Villez, Parakata Poderosa, 2016, giclée on canvas, 30 x 24”
Artist Statements
Cheryl Abraham, Wauna, WA
She is Bountiful, 2018, acrylic on wood
She is Bountiful depicts ideas and concepts of a Goddess, or female deity: her seasons, elements, life, death, apparent oppositions, and earthly pleasures. This piece was painted in tribute to Frida Kahlo as Kahlo is emblematic of a Goddess to the artist.
Cheryl Abraham is a self-taught artist and primarily works with acrylics on wood, canvas, and board.
Pintada en homenaje a Frida Kahlo, Ella es benévola representa los aspectos, ideas y conceptos de una diosa o deidad femenina:
sus temporadas, elementos, vida, muerte, oposiciones aparentes y placeres terrenales.
Cheryl Abraham es una artista autodidacta que trabaja principalmente con pintura acrílica sobre madera, lienzo y tablones.
Adela Antoinette, Tucson, AZ
F Kahlo, 2014, theatrical makeup, acrylic on canvas paper, digital collage print
As a face and body painter, and fine arts student at the time of creating F Kahlo, Adela Antoinette wanted to combine the knowledge and skills that she had accumulated over the years into a yearlong project. Each month she would choose a historic artist’s self-portrait or portrait to paint on herself, replicating the image using theater make-up and props. The artists she depicted encompassed a diverse range of ethnicities, gender, style, and culture.
Antoinette states about her piece F Kahlo, “I have recreated my own Frida with Cropped Hair. Frida Kahlo cut her hair off about a month after her divorce from Diego Rivera and painted the self-portrait shortly after. This piece was by far my favorite and most difficult to produce. The emotional connection was somewhat of a surprise to me. The feeling of heartbreak had been extra potent – the feeling of not being wanted anymore by someone you have been in love with. There are a lot of feelings and emotions that art explores.”
Como pintora de rostro y cuerpo, además de estudiante de bellas artes al momento de la creación de F Kahlo, Adela Antoinette se embarcó en un proyecto único de un año de duración. Cada mes, escogía un autorretrato de un artista histórico para pintarlo sobre sí misma, replicando la imagen usando maquillaje teatral y utilería. Los artistas a quienes representó varían en diversidad, género, estilo y cultura.
Antoinette dice, en referencia a F Kahlo: “Recreé mi propio Frida con pelo cortado. Frida se cortó el cabello aproximadamente un mes después de su divorcio con Diego Rivera y pintó el autorretrato poco después. Esta pieza fue mi favorita por mucho y fue la más difícil de producir. La conexión emocional fue una sorpresa para mí. La sensación de desamor había sido muy potente: la sensación de ya no ser querido por alguien de quien estuviste enamorado. El arte explora muchos sentimientos y emociones”.
ARTNWORDZ (Micha Kuechenhoff and Grant Rosen), Long Beach, CA
Frida Rose Gallery Book, 2018, mixed media
ARTNWORDZ consists of the artist duo Grant Rosen and Micha Kuechenhoff. Kuechenhoff, originally from Berlin, is an art lover, a practicing artist, and was once a mapmaker responsible for joining West Berlin with former East Berlin. She is also a jewelry designer and brings her design skills and attention to detail to her artwork.
Rosen, originally from Los Angeles, California, is a professional Broadway dancer, singer, actor, and photographer. He is also a lover of words, commonly known as a logophile, which comes into great use when creating joint artwork with Kuechenhoff.
The pair brings their balance and sensibilities together to create their unique designs. Their artwork is featured in galleries, hotels, design spaces, private collections, and art books throughout the US and internationally.
ARTNWORDZ consiste del dúo de artistas, Grant Rosen y Micha Kuechenhoff. Kuechenhoff es originaria de Berlín y empezó como cartógrafa, responsable por unir al Berlín Oeste con el antiguo Berlín Este. También es diseñadora de joyas y transmite sus habilidades de diseño y atención a los detalles en su trabajo.
Rosen, originario de Los Ángeles, es un bailarín profesional de Broadway, cantante, actor y fotógrafo. Además, ama las palabras, lo que es conocido comúnmente como logofilia. Eso le ayuda al crear arte junto con Kuechenhoff.
Esta pareja reúne su equilibrio y sensibilidades para crear diseños únicos. Su arte aparece en galerías, hoteles, espacios de diseño, colecciones privadas y libros de arte en los Estados Unidos y el extranjero.
Monica Balmelli, Diamond Bar, CA
Frida Kahlo Shrine Box Day of the Dead, 2016, mixed media
Monica Balmelli’s art is deeply influenced by the British 1900s Arts and Crafts movement, Feminism, and environmental justice. These concepts have steadily influenced her work as a source of inspiration. Balmelli’s piece, Frida Kahlo Shrine Box Day of the Dead was inspired by pre-colonization folk art, and it utilizes a recycled decorative box to honor the extraordinary life of Mexican artist Frida Kahlo.
El arte de Mónica Balmelli está profundamente influenciado por el movimiento británico Arts and Crafts (“Artes y Oficios”) del siglo XX, el feminismo y la justicia ambiental. Estos conceptos han influenciado constantemente su trabajo como fuente de inspiración. La pieza de Balmelli, Santuario de Frida Kahlo del Día de los Muertos está inspirada por el arte popular previo a la colonización y usa una caja decorativa reciclada para honrar la vida extraordinaria de la artista mexicana Frida Kahlo.
Charles Barth, Cedar Rapids, IA
The Wounded, 1993, intaglio, artist proof
Charles Barth’s The Wounded includes images of pain and suffering which are often found in Mexican art. Frida Kahlo depicted herself as an arrow-pierced deer to represent her fragile health and her sympathy for the vulnerability of animals. Barth’s piece also depicts St. Sebastian, an early Christian saint who was martyred by arrows. St. Sebastian’s painful death imagery can be found in churches throughout Mexico. Barth has also included a dying centaur, which is often found in wood carvings by Oaxacan artists. A menacing devil lurks in the background.
La herida, de Charles Barth, incluye imágenes de dolor y sufrimiento que a menudo se encuentran en el arte mexicano. Frida Kahlo se representó a sí misma como un venado atravesado por una flecha, como símbolo de la fragilidad de su salud y su simpatía por la vulnerabilidad de los animales. La pieza de Barth también representa a San Sebastián, un santo cristiano antiguo que fue asesinado con flechas y hecho mártir. Las imágenes dolorosas de San Sebastián pueden encontrarse en iglesias a lo largo de México. Barth también incluyó un centauro moribundo, que también se encuentra a menudo en los tallados de madera de los artistas de Oaxaca, mientras que un demonio amenazador aparece en el fondo.
Mandy Behrens, Berkeley, CA
Adorned Boot, 2018, acrylic on canvas, annealed wire, bells
Inspiration for Mandy Behrens’ piece, Adorned Boot, came from Frida by Ishiuchi, a collection of riveting, intimate photographs of Kahlo’s personal belongings, wardrobe, and medical apparatus hidden from the public for fifty years following her death, and photographed by the highly acclaimed Japanese photographer, Ishiuchi Miyako. The image that captivated Behrens the most was that of Kahlo’s brilliant red leather boot and cuff with a prosthetic leg. This literal extension of Kahlo stands majestic despite the disability it represents. As Behrens studied the photograph, her connection to Kahlo intensified. Behrens was inspired by the importance Kahlo placed on costume and color as a means to shape her narrative, and how Kahlo fought valiantly to not let her disability define her. Behrens used wire to capture the firmness of Kahlo’s convictions and the physicality of her leg brace. Behrens also attached two tiny jingle bells to her wire boot, just as Kahlo did, to announce her arrival on walkabouts. The wire boot is paired with a ribbon of color swatches. The warm browns represent the leather cuff that wrapped around Kahlo’s leg, the pale fleshy colors mimic the color of the prosthesis, the bright red hues depict the color of the original boot, the brownish-black colors represent the sole of the boot, and the multicolored swatch symbolizes the Chinese embroidered silk applique that adorned the top of Kahlo’s boot.
La inspiración para el trabajo de Mandy Behrens provino de Frida por Ishiuchi, una colección de fotografías íntimas y cautivadoras de las pertenencias personales, vestimenta y aparatos médicos de Kahlo. Estos objetos estuvieron escondidos del público por cincuenta años después de su fallecimiento, y fueron fotografiados por el aclamado fotógrafo japonés Ishiuchi Miyako. La imagen de la bota y puño de cuero rojo brillante de Kahlo con la pierna prostética cautivó a Behrens. Esta extensión literal de Kahlo sigue siendo majestuosa a pesar de la discapacidad que representaba. Mientras más tiempo estudió Behrens la fotografía, su conexión con Kahlo se intensificó. Behrens se sintió obligada a agrandar la importancia que Kahlo puso sobre el disfraz y el color como un medio para darle forma a su narrativa y cómo Kahlo luchó valientemente para no dejar que su discapacidad la definiera.
Usando cable para capturar la firmeza de las convicciones de Kahlo y el físico de su aparato ortopédico, Behrens también le puso dos campanas pequeñas a la bota, al igual que lo hizo Kahlo para anunciar su llegada. Las muestras de color simbolizan los diferentes materiales de la prótesis y la bota de Frida, el cuero del puño, los tonos rojos de la bota y el bordado de varios colores que adorna el cuero rojo.
Claudia Blanco, San Jose, CA
8-bit Frida, 2017, acrylic on canvas
Claudia Blanco set out to re-discover her Mexican roots through creativity. Her work incorporates traditional Mexican textiles, colors, and imagery with a modern twist. Blanco’s piece, 8-bit Frida, celebrates Frida Kahlo by re-creating an iconic portrait of Kahlo, however, she is depicted in the grid style of artist Chuck Close. Blanco wanted the pixelated image to be visually interesting from afar, as well as up close.
Claudia Blanco se propuso a redescubrir sus raíces mexicanas a través de su arte. Su trabajo incorpora textiles, colores e imágenes mexicanas tradicionales con un toque moderno.
Frida en 8 bits celebra a Frida Kahlo recreando un retrato icónico de Kahlo. Sin embargo, está representada en el estilo de cuadrícula del artista Chuck Close. Blanco quería que la imagen pixelada fuera visualmente interesante, vista tanto de lejos como de cerca.
Elisa Bolanos, Lincoln, CA
A Pit Bull Named Frida, 2018, acrylic on canvas
A few years ago, Elisa Bolanos adopted a pit bull pup who had a rough start in life. Neglected, abused, and abandoned, but very loving and resilient, the courageous dog naturally earned the name of Frida upon adoption. Although beastly in appearance, Frida the pit bull, has natural strength and beauty, as did Frida Kahlo, and Bolanos felt compelled to paint a portrait of her lovely dog in the style of Kahlo.
Hace algunos años, Elisa Bolaños adoptó a un cachorro pit bull que tuvo un comienzo difícil en su vida. Descuidado, abusado y abandonado, pero aún amoroso y fuerte, el perro valiente se ganó naturalmente el nombre de Frida al ser adoptado. Si bien tiene una apariencia bestial, el pit bull Frida tiene una fuerza y belleza natural, igual que la verdadera Frida Kahlo. Bolaños se sintió obligada a pintar un retrato de su perro en el estilo de Kahlo.
Kerstin Bruchhäuser, Humburg, Germany
Larger than Life (Frida Kahlo), 2018, applique and embroidery with cotton, linen, leather, and silk thread on cotton gauze
Kerstin Bruchhäuser enjoys working in textiles for its tactility, suppleness, and strength. The textiles’ willingness to be transformed makes it a perfect medium for exploring and celebrating the role of women in society. Bruchhäuser often uses antique dowry pieces and domestic textile objects like tablecloths or handkerchiefs to show that objects change over time.
Bruchhäuser’s sewn portrait, Larger than Life (Frida Kahlo), was inspired by Toni Frissell’s photograph of Kahlo for American Vogue in 1937. She transferred the image of Kahlo onto textile materials—cotton and silk, leather and linen—the materials of the wardrobe Kahlo had used to hide her medical equipment and disabilities, especially her legs and feet, which caused her much pain. After the amputation of half of her right leg in 1953, Kahlo wrote in her diary “Feet, why do I need them if I have wings to fly?”
Bruchhäuser’s large-scale textile portrait depicts Frida Kahlo ascending, leaving behind her physical troubles, floating on thin white gauze – a textile material with a well-known medical context. Kahlo also liked to be seen in vibrant colors so she could not be overlooked. She is shown raising a scarf like a flag or a banner, both symbols of life. Frida Kahlo loved life passionately even in the face of suffering, and so here she is, years after her death, like a light breeze, reminding us of her iconic life and work that is still important and relevant.
Kerstin Bruchhäuser disfruta trabajar con textiles debido a su textura, flexibilidad y fuerza. La disposición de los textiles por ser transformados hace que sean el medio perfecto para explorar y celebrar el papel de las mujeres en la sociedad. Bruchhäuser usa a menudo piezas antiguas de bienes dotales, como en objetos domésticos hechos con textiles, como manteles o pañuelos para mostrar que los objetos cambian con el tiempo.
El trabajo de Bruchhäuser fue inspirado por la fotografía que Toni Frissell le tomó a Frida Kahlo para la versión estadounidense de Vogue en 1937. Transfirió la imagen en materiales de tela, algodón y seda, cuero y lino, los materiales del guardarropa que Kahlo usaba para esconder el equipo médico y sus discapacidades. Este retrato textil a gran escala representa a Kahlo ascendiendo, dejando atrás sus dolencias físicas, flotando en una gasa blanca delgada. El deseo de Kahlo de ser vista significó que a menudo usaba colores vibrantes. En esta pieza, levanta una bufanda color amarillo brillante como una bandera.
Kahlo amó la vida con pasión, incluso ante la adversidad del sufrimiento, y años después de su fallecimiento, su legado continúa como una brisa de aire, recordándonos de su vida y arte icónico.
Jamie Burnside, Santa Monica, CA
Defiant Deer, 2018, acrylic on canvas
Jamie Burnside gave a lot of thought to what makes Frida Kahlo an icon, whose work and short time on earth still inspires and resonates with so many today. Burnside wanted to show her as a tough, defiant survivor while playing with Kahlo’s themes of surrealism and identity. Kahlo is often a victim of pain and death in her self-portraits. Burnside chose to flip that idea on its head, and represent her as an obstinate warrior.
Jamie Burnside pensó mucho en lo que convierte a Frida Kahlo en un ícono cuyo trabajo y corto tiempo en la tierra aún inspira y resuena con tantas personas. Burnside quería representar a Kahlo como una sobreviviente fuerte y desafiante, jugando con sus temas de surrealismo e identidad. Kahlo a menudo es una víctima del dolor y de la muerte en sus autorretratos. Burnside escogió darle un cambio a esa idea y representarla como una guerrera obstinada.
Joyce Byrum, Benicia, CA
Frida & Diego, 2018, white stoneware sculpture clay
The Elephant & the Dove, 2019, white stoneware sculpture clay
Upon visiting Mexico City in 1972, Joyce Byrum vividly recalls falling in love with the culture, clothes, the bright primary colors of Mexico, and hearing about an important artist named Frida Kahlo. It was not until much later, when Byrum became a clay artist, that she revisited this interest and knew she wanted to pay tribute to the inspirational Kahlo. Kahlo endured early physical hardships due to polio, and a serious streetcar accident left her further disabled, which altered her life dramatically. Despite her tragedies, Kahlo became an icon of female creativity, physical strength, and Mexican patriotism through political activism. Kahlo is an inspiration to all women to find their own voice, their natural physical beauty, and their own special love of life.
Al visitar la ciudad de México en 1972, Joyce Byrum recuerda enamorarse vívidamente de la cultura, la vestimenta, los colores primarios brillantes de México y el trabajo de Frida Kahlo. No fue sino hasta mucho después, cuando Byrum se convirtió en artista de arcilla, que volvió a considerar su interés y supo que quería honrar a la inspiradora Kahlo.
Kahlo soportó dificultades físicas desde que era pequeña debido al polio y a un accidente automovilístico serio que la dejó aún más discapacitada, cambiando su vida drásticamente. Aun así, a pesar de sus tragedias, Kahlo se convirtió en un ícono de la creatividad femenina, fuerza física y patriotismo mexicano a través del activismo político. Kahlo es una inspiración para que todas las mujeres encuentren su propia voz, su belleza física natural y su amor especial por la vida.
Cheryl Chapman, La Pine, OR
Frida, Above and Below, 2018, reverse painted fused glass
Frida Kahlo was a complicated woman and artist that found beauty in nature. In Cheryl Chapman’s piece, Frida, Above and Below, Kahlo’s look is severe but is softened by the beautiful blooms surrounding her. The flowers represent the lush garden Kahlo grew at her home, her flowers brought her great joy. However, Chapman’s depicted flowers also symbolize strength: the roots spread far and wide under the rocky soil of life and support the heavy blooms of love and happiness.
Frida Kahlo fue una mujer y artista complicada que encontró belleza y consuelo en la naturaleza. En la pieza de Cheryl Chapman, Frida, arriba y abajo, la mirada severa de Kahlo es suavizada por las hermosas flores que la rodean. Las flores representan el lujoso jardín que Kahlo creció en su hogar, el cual le traía mucha alegría. Sin embargo, las flores de Chapman también simbolizan la fortaleza: las raíces se extienden a lo lejos bajo la tierra rocosa de la vida y le dan soporte a las flores pesadas del amor y la felicidad.
Mona Cliff, Lawrence, KS
Dear Heart, 2018, Czech seed beads, felt, and thread
Mona Cliff’s art is fundamentally rooted in her North American native heritage. Using traditional native techniques, Cliff’s beaded embroidery explores North American native identity, customs, and how traditions of the past fit into a contemporary world. Beadwork in North American native cultures is a personal expression of identity and uniqueness and is often worn by women on traditional regalia. Cliff is also inspired by the idea of “how the sum of one creates the whole,” which is representative of beadwork. For Cliff, it was only natural to bead an image of Frida Kahlo, symbolizing their shared love for their own culture and heritage.
El arte de Mona Cliff está fundamentalmente arraigado en su herencia nativa norteamericana. Usando técnicas nativas tradicionales, el bordado con cuentas de Cliff explora la identidad y costumbres nativas norteamericanas, y cómo las tradiciones del pasado se ajustan al mundo contemporáneo. El trabajo con cuentas en las culturas nativas norteamericanas es una expresión personal de identidad y originalidad, y a menudo es usado por las mujeres en sus galas tradicionales. Cliff también se inspiró en la idea de “cómo la suma de uno crea el todo”, lo cual representa el trabajo con cuentas. Para Cliff, era natural usar cuentas para crear una imagen de Frida Kahlo, simbolizando el amor que compartían por su propia cultura y tradición.
Lisa Congdon, Portland, OR
Frida’s Nail Polish, Perfume & Toothbrush, 2018, acrylic on wood
Lisa Congdon has always been obsessed with the hidden wardrobe of Frida Kahlo. After Kahlo died, her husband Diego Rivera sealed her belongings in the bathroom of their Mexico City home. He requested that they be kept hidden until 15 years after his death. Rivera passed away in 1957, but the items remained packed away for 50 years. It was not until 2004 that the Frida Kahlo Museum in Mexico decided to catalog them. Photographer Ishiuchi Miyako had the honor of documenting them. Congdon’s three paintings are based on photos of Kahlo’s intimate belongings.
Lisa Chongdon está obsesionada con el vestuario de Frida Kahlo. Después de que Kahlo falleció, su esposo Diego Rivera selló sus pertenencias en el baño de su hogar en la Ciudad de México. Él solicitó que sus pertenencias fueran escondidas hasta quince años después de su fallecimiento. Rivera falleció en 1957, pero las cosas permanecieron empacadas por cincuenta años. No fue sino hasta el año 2004 que el Museo de Frida Kahlo en México decidió catalogarlas. El fotógrafo Ishiuchi Miyako tuvo el honor de documentarlas. Las tres pinturas de Congdon están basadas en fotos de las pertenencias de Kahlo.
Sarah Cuevas, Walnut Creek, CA
I thought the earth remembered me, 2018, embroidery
With the same composition as a Greek icon, Sarah Cuevas’ piece compares Frida Kahlo’s life and artwork to the religious traditions that surround saints and Greek iconography. The word “strong” in Greek frames her face (ισχυρός), as well as a beetle and a moth. The nails above Kahlo’s head symbolize her intense battle with her health and body, and the flower crown that adorns her head is a well-known symbol for her as an artist. This piece honors Kahlo’s life and her bravery as an artist, as well as recognizes how much of herself she gave away through her art. Kahlo’s vulnerability and fearlessness are admirable, and this piece honors her actions.
Con la misma composición que un ícono griego, la pieza de Sarah Cuevas compara la vida y el arte de Frida Kahlo con las tradiciones religiosas que rodean a los santos y los íconos griegos. La palabra “fuerte” en griego rodea su rostro (ισχυρός), así como un escarabajo y una polilla. Los clavos encima de la cabeza de Kahlo simbolizan su intensa batalla con su salud y cuerpo, y la corona de flores que adorna su cabeza es un símbolo popular para ella como artista. La pieza honra la vida de Kahlo y su valentía como artista, además de reconocer cuánto dio de sí misma a través de su arte. La vulnerabilidad e intrepidez de Kahlo es admirable y esta pieza honra sus acciones.
Sandra De Jaume, Santa Maria del Camí, Majorca, Spain
Frida Kahlo with Okinawa Flowers, 2016, acrylic on canvas
An enigma inhabits Sandra De Jaume’s work, revealing Kahlo’s desire for reaffirmation and the desire to elevate the importance of women artists within the canon of art history. De Jaume’s Kahlo is portrayed as a celebratory icon of feminism and is a tribute to an artist who transformed her suffering into something divine and rather revolutionary.
Un enigma habita en el trabajo de Sandra De Jaume, revelando el deseo de Frida Kahlo por recibir reafirmación y agrandar la importancia de las artistas femeninas dentro del canon de la historia del arte. La Kahlo de De Jaume es representada como un ícono de celebración del feminismo y es un tributo a una artista que transformó su sufrimiento en algo divino y revolucionario.
Marian De La Torre-Easthope, Walnut Creek, CA
Frida’s Chair, 2018, oil on canvas
Marian De La Torre-Easthope’s piece, Frida’s Chair, is about resilience. Her painting depicts Frida Kahlo’s actual wheelchair (which is on view in Kahlo’s home, Casa Azul), and is a reminder that regardless of her pain, Kahlo always continued to work at an easel. However, the room in the painting does not represent Kahlo’s home. It is a room within De La Torre-Easthope’s San Francisco Bay Area home – a region where Kahlo was welcomed decades ago. This blended image, through time and space, attempts to bring the spirit of Kahlo to the present, and her chair becomes a visible metaphor for overcoming personal roadblocks. De La Torre-Easthope asks the viewer, “do you allow obstacles to stop you from pursuing your dreams?” Frida Kahlo did not.
Para la artista Marian De La Torre-Easthope, su pieza, La silla de Frida, se trata de la resiliencia. La pintura de De La Torre-Easthope representa la silla de ruedas de Frida Kahlo (la cual se puede ver hoy en el hogar de Kahlo, Casa Azul) y sirve como un recordatorio de que, a pesar de su dolor, Kahlo siempre continuó trabajando con un caballete. Sin embargo, la habitación en la pintura no representa el hogar de Kahlo. Es una habitación dentro del hogar de De La Torre-Easthope en el área de la Bahía de San Francisco, una región en donde Kahlo fue bienvenida hasta algunas décadas. Esta imagen mezclada en el tiempo y el espacio intenta llevar el espíritu de Kahlo al presente y su silla se convierte en una metáfora visible para superar los obstáculos personales. De La Torre-Easthope le pregunta al espectador a través de su pieza: ¿Usted permite que los obstáculos eviten que persiga sus sueños? Frida Kahlo no lo permitió.
Dion Dion, Manchester, MO
SunKissedFrond, 2010, oil on canvas
Inspired by nature’s exquisite beauty, design, and diversity, artist Dion Dion challenges herself to capture and interpret organic movement and energy. Through mark-making, lines, structural layering, and blending exaggerated colors, the results become a new, different, and otherworldly interpretation that is both real and imaginary.
Inspirado por la belleza exquisita, el diseño y la diversidad de la naturaleza, Dion Dion a menudo tiene el desafío de capturar e interpretar el movimiento orgánico y la energía. Al hacer marcas, líneas, capas estructurales y la mezcla de colores exagerados, los resultados se convierten en una nueva interpretación diferente y de otro mundo que es tanto real como imaginaria.
Razan Elbaba, Vienna, VA
Razan Kahlo, 2017, photograph
Razan Kahlo is part of a series of self-portraits by artist, Razan Elbaba, wearing a traditional Muslim hijab. The self-portraits are recreations of intelligent, determined, well-known iconic women like Rosie the Riveter, Cleopatra, and Jacqueline Kennedy Onassis, among others. Elbaba chose these women because they embodied fearlessness and strength – traits also found amongst Muslim women. Through her self-portrait series, Elbaba wanted to address misconceptions about her faith and culture. For the artist, now more than ever, there is a great fear among Muslim women in the United States who choose to wear hijab as they may be subjected to bigotry and violence. By linking herself with an iconic woman, Elbaba is stating that although we might look different, we all possess the same inherent strength and value.
Razan Kahlo es parte de una serie de autorretratos hechos por la artista usando un hiyab musulmán tradicional. Los autorretratos son recreaciones de mujeres inteligentes, determinadas, bien conocidas e icónicas como Rosie, la Remachadora, Cleopatra y Jacqueline Kennedy Onassis, entre otras. Razan Elbaba escogió a dichas mujeres porque ellas representaban la intrepidez y fortaleza, rasgos que también se encuentran entre las mujeres musulmanas. A través de sus autorretratos, Elbaba quería abordar conceptos erróneos sobre su fe y cultura. Ella ve que, ahora más que nunca, hay un gran temor entre las mujeres musulmanas en los Estados Unidos que deciden usar un hiyab, ya que podrían estar sujetas a intolerancia y violencia. Al enlazarse a sí misma con una mujer icónica, Elbaba está diciendo que, si bien nos vemos diferentes, todos poseemos la misma fortaleza y valor intrínseco.
Carlo Fantin, Oakland, CA
Yes Another Frida Kahlo Portrait, 2018, hand-cut paper
Carlo Fantin’s piece, Yet Another Frida Kahlo Portrait, is a humorous commentary on the popularity of Frida Kahlo-themed exhibitions. Fantin’s process for this piece involved meticulously hand-cutting images out of many sheets of acid-free paper that were printed with the statement “Yes Another Frida Kahlo Portrait,” and then layering them into complex three-dimensional representations of his subject, Frida Kahlo.
La pieza de Carlo Fantin, Otro retrato de Frida Kahlo es un comentario humoroso sobre la popularidad de las exposiciones con temas de Frida Kahlo. El proceso de Fantin para crear esta pieza involucró cortar imágenes meticulosamente a mano usando muchas hojas de papel libre de ácido que estaba impreso con el texto “Otro retrato de Frida Kahlo” y luego poniéndolos en capas en una representación compleja en tres dimensiones de Frida Kahlo.
Don and Era Farnsworth, Oakland, CA
Frida from the Art Notes series, 2016, mixed media on $1 bill
Donald and Era Farnsworth’s Art Notes series consists of actual one dollar federal reserve-issued banknotes which the artists have altered in the studio to reflect the figures and concepts they value. Elements from the original bills have been disguised with new images, and text has been added using a specialized acrylic medium, water-based printing, hand-painted details, and 22-karat gold leaf. Frida (2016) celebrates the heroine with quotes from Kahlo including, “Nothing is absolute. Everything changes.”
Las Notas de Arte de Don y Era Farnsworth consisten de billetes reales de un dólar emitidos por la reserva federal que los artistas alteraron en el estudio para reflejar las figuras y conceptos que aprecian. Los elementos de los billetes originales han sido escondidos usando imágenes nuevas y se agregó texto usando un medio acrílico especializado, impresión a base de agua, detalles pintados a mano y hojas de oro de 22 quilates. Frida celebra a la heroína con citas de Frida Kahlo, incluyendo “Nada es absoluto. Todo cambia”.
Ruth E. Fox, Portland, OR
Coronas de Frida, 2018, paper, PVA, foam core and album board
Ruth E. Fox’s collage works were inspired by, and seek to capture, the beauty, saturated color, and wild spirit of Frida Kahlo’s floral headpieces. Fox’s piece Coronas de Frida was created from images found in vintage books and magazines. Continuing with her interest in and experimentation with wearable collage (e.g. paper jewelry), these headpieces reflect the desire to adorn ourselves in original, surprising, and joyous new ways. Fox proposes her paper headpieces are just as wearable as their living floral counterparts.
El collage de Ruth E. Fox estuvo inspirado y buscó capturar la belleza, el color saturado y el espíritu salvaje de los tocados florales de Frida Kahlo. La pieza de Fox, Coronas de Frida, fue creada usando imágenes de libros y revistas antiguos. Continuando con su interés y experimentación usando collages que se pueden usar (ej.: joyería de papel), estos tocados reflejan el deseo de adornarnos de formas originales, sorpresivas y alegres. Fox propone que sus tocados de papel pueden ser usados igual que sus contrapartes con flores vivas.
Francisco Franco, San Francisco, CA
Deer Frida’s Martyrdom, 2018, oil on MDO panel
Francisco Franco’s piece, Deer Frida’s Martyrdom, was inspired by memento mori art; artwork that is designed to remind the viewer of their mortality, and the shortness and fragility of human life. In Latin, memento mori simply means, “remember you must die.” Franco views this piece as a humorous take on the concept of death, depicting a deer with the head of Frida Kahlo, in an attempt to alleviate death-related anxieties.
La pieza de Francisco Franco, El martirio del venado Frida, fue inspirado por el arte memento mori, el cual está diseñado para recordarle al espectador sobre su mortalidad y la brevedad y fragilidad de la vida humana. En latín, memento mori simplemente significa: “Recuerda que debes morir”. Franco mira esta pieza como una representación humorosa del concepto de la muerte, mostrando a un venado con la cabeza de Frida Kahlo, en un intento por aliviar las ansiedades relacionadas con la muerte.
Rupert Garcia, Oakland, CA
Frida Kahlo, 2002/1975, woodcut print, edition 9/50
Chicano artist, Rupert Garcia, is well known for his striking, politically charged silkscreen prints produced in the 1960s and 1970s, which he sold to raise bail money for students arrested in anti-Vietnam war protests. In his 2002 edition print of Frida Kahlo, Garcia reimagines the design of a 1975 silkscreen portrait of the iconic Mexican painter, this time using the labor-intensive, hand-carved reduction woodcut process. Garcia’s Frida was cut and printed in six colors at Magnolia Editions in Oakland, CA.
Rupert García, un artista chicano, es conocido por sus impresiones de serigrafía llamativas con cargas políticas, las cuales fueron producidas en las décadas de los 60 y los 70, las cuales vendió para recaudar dinero para la fianza de los estudiantes arrestados en las protestas contra la guerra de Vietnam. En su edición de 2002 de Frida Kahlo, García reinventa el diseño de un retrato en serigrafía de 1975 de la icónica pintora mexicana, pero esta vez usando el proceso laborioso de xilografía tallada a mano.
La Frida de García fue cortada e impresa en seis colores en Magnolia Editions en Oakland, CA.
Betsy Gorman, Valatie, NY
Frida with Flower Crown
Girl with Death Mask
Self-Portrait with Loose Hair
2018, mixed media collages
Betsy Gorman’s mixed-media interpretations of Frida Kahlo include oil-based paints, vintage, handmade and fine art papers, original photography, gold leaf, and a printed reproduction of black and white photographs. For Gorman, her work evokes the irreverent and irrepressible spirit of Frida Kahlo. The cacophony of intensely colored flowers and foliage, combined with intricate detailing, pay homage to the larger than life artist and woman that Frida Kahlo was. The vivid botanical crown and bold palette remind the viewer of Kahlo’s great strength and substance. The Frida Kahlo that speaks to Gorman is wildly human, extremely accessible, unmistakably flawed, intensely passionate, true to herself, fragile, and forceful all at once. As Gorman states, “Frida is me; Frida is you.”
Las interpretaciones de varios medios de Frida Kahlo hechas por Betsy Gorman incluyen pinturas a base de aceite, papeles de bellas artes antiguos y hechos a mano, fotografía original, hojas de oro y una reproducción impresa de fotografías a blanco y negro. Para Gorman, su trabajo evoca el espíritu irreverente e irreprimible de Kahlo. La cacofonía de las flores y el follaje con colores intensos, combinados con detalles intricados, honran a la artista y mujer más grande que la vida que era Kahlo. La corona botánica vívida y el paladar atrevido le recuerda al espectador la gran fortaleza y la esencia de Kahlo. La Frida Kahlo que le habla a Gorman es simultáneamente salvajemente humana, extremadamente accesible, inconfundiblemente defectuosa, intensamente apasionada, fiel a sí misma, frágil y contundente. Como lo dice Gorman, “Frida soy yo; Frida eres tú”.
Debra Grall, Baraboo, WI
Pies, para que los quiero si tengo alas para volar, 2018, mixed media, beads, ultra suede, porcelain and metal
As a former instructor of life drawing at Northern Illinois University, the figure has always held considerable significance in Debra Grall’s work. In Grall’s intricately beaded necklace piece, Pies, para que los quiero si tengo alas para volar, the viewer may relate to Frida Kahlo on an intimate level through the thought of possibility wearing Kahlo’s image, and thus “carrying” her close to their heart. Kahlo is shown surrounded by wings, which symbolize her transcendence beyond personal pain. According to Grall, Kahlo inspires us all to use our “wings.”
Como un ex-instructor de dibujos de la vida en la Universidad del Norte de Illinois, la figura siempre ha tenido un gran significado en el trabajo de Debra Grall. En el collar de cuentas intricado de Grall, Pies para qué los quiero si tengo alas para volar, el espectador podría relacionarse con Frida Kahlo en un nivel íntimo a través del pensamiento de la posibilidad usando la imagen de Kahlo y “llevándola” cerca de su corazón. Kahlo aparece rodeada de alas, las cuales simbolizan su trascendencia más allá del dolor personal. De acuerdo con Grall, Kahlo nos inspira a usar nuestras “alas”.
Amandalynn Grazier, San Francisco, CA
Mother Frida, 2018, acrylic and charcoal on canvas
Amandalynn Grazier’s Mother Frida is a dedication to the powerful icon, Frida Kahlo. Kahlo lived a difficult and painful life but shared her true spirit through her art and love toward nature and animals. Her image is a symbol of feminine strength and inspiration, and Grazier hopes that the world takes a cue from Frida Kahlo’s freedom of expression and giving spirit. As Grazier states, “We all struggle with this crazy life, let us express ourselves creatively, and give back to the world that made us.” Mother Frida is Grazier’s gift – to Frida, to society, to herself.
Madre Frida, de Amandalynn Grazier, está dedicada a un ícono poderoso, Frida Kahlo. Kahlo tuvo una vida difícil y dolorosa, pero compartió su verdadero espíritu a través de su arte y amor por la naturaleza y los animales. Su imagen es un símbolo de la fortaleza y la inspiración femenina, y es la esperanza de Grazier de que el mundo toma una señal de la libertad de expresión y el espíritu de generosidad de Kahlo. Como lo dice Grazier, “todos luchamos con esta vida tan loca. Déjenos expresarnos creativamente y pagarle al mundo que nos hizo”. La Madre Frida es el regalo de Grazier para Frida, para la sociedad y para sí misma.
Simone Guimaraes, San Francisco, CA
Feet what do I need them for if I have wings to fly, 2018, mixed media and acrylic on birch wood panel
Simone Guimaraes’ piece, Feet what do I need them for if I have wings to fly, is a spiritual embrace of women who are like Frida Kahlo (particularly Latinas), and it represents their strength to overcome their personal obstacles to pursue anything they wish. The wings behind Frida represent empowerment and the innate connection between humans and the Divine.
La pieza de Simone Guimaraes, Pies para que los quiero si tengo alas para volar, es un abrazo espiritual de las mujeres que son como Frida Kahlo (especialmente las latinas) y representa su fortaleza para superar sus obstáculos personales para perseguir cualquier cosa que desean. Las alas detrás de Kahlo representan el empoderamiento y la conexión intrínseca entre los humanos y lo divino.
Catherine Hicks, Marble Falls, TX
Diego’s Chica, a portrait of Frida, 2014, silk and metallic crewel embroidery and stumpwork
Artist, Catherine Hicks is deeply inspired by the complex body of work Frida Kahlo left behind, and the way she created that work in response to the tumult of her life. When faced with physical and emotional obstacles, Frida Kahlo did not shrink but instead attacked her problems with her paintbrush. Alternatively, Hicks uses a needle as her weapon, drawing it with the same passion and fight that she imagines Kahlo may have felt. The resulting art is no more than a byproduct of the creative life’s victory over sorrow.
Catherine Hicks está inspirada por el trabajo complejo que Frida Kahlo dejó tras de sí y la forma en la que usó el arte para hablar del tumulto de su vida. Al enfrentarse a obstáculos físicos y emocionales, Kahlo no se encogió, sino que atacó sus problemas con su pincel. Alternativamente, Hicks usa una aguja como su arma, usándola con la misma pasión y lucha que imagina que sentía Kahlo. El arte resultante no es más que un subproducto de la victoria de la vida creativa sobre el dolor.
Christine Aria Hostetler, Tulsa, OK
Frida Kahlo Braids No. 2, 2018
Frida Kahlo Braids No. 3, 2019
Frida Kahlo Smoking, 2019
watercolor on Arches scrap, glass cloche
The additional insight into Frida Kahlo’s personhood through photos captured by others is thoroughly fascinating to Christine Aria Hostetler, and they serve as her inspiration. Hostetler’s three paintings in The World of Frida exhibition are based on a 1937 series of candid photos of Kahlo made by her New York art dealer, Julien Levy. Calm, half-nude, hair down, she levels her gaze at the viewer or turns to smoke a cigarette. We do not see her posing as her usual carefully constructed self, but instead, Kahlo reveals herself to be naturally at ease and even casual in front of the camera lens, perhaps even more so than on her own canvasses. Part of a series titled Women in Rolls, the curled design of these paintings subverts the viewer’s ability to see the subject in her entirety, which allows for reflection on Kahlo’s multifaceted, complex nature.
Las tres pinturas de Christine Aria Hostetler en esta exposición están basadas en una serie de fotos espontáneas de Kahlo tomadas por su tratante de arte en Nueva York, Julien Levy, en 1937. La percepción de la personalidad de Frida Kahlo a través de las fotos capturadas por otros es fascinante para Hostetler, y sirven como su inspiración.
Calmada, semi desnuda, con el pelo suelto, ella ve al espectador o se voltea para fumar un cigarrillo. No la vemos posando como su yo habitual y cuidadosamente construido, sino que Kahlo se revela estando naturalmente a gusto e incluso casual en frente de la cámara. Parte de una serie llamada Mujeres en carretes, el diseño rizado de estas pinturas subvierte la habilidad del espectador de ver al sujeto completo, lo cual permite la reflexión de la naturaleza compleja y multifacética de Kahlo.
Barbara Johansen Newman, Needham, MA
All This Madness, 2018, acrylic on wood
To Barbara Johansen Newman, the life of Frida Kahlo is infinitely inspiring. Her spirit to live, love, and create art – a spirit that would not yield to her physical challenges or the torments of pain – is a reminder to each of us to seize every moment, immerse ourselves in our artwork, and embrace our passions. Artist and husband, Diego Rivera was Frida’s passion, as well as her obsession. In Johansen Newman’s piece All This Madness, the portrait of Diego on her forehead is a nod to Kahlo’s self-portrait, Diego On My Mind. The title of Johansen Newman’s piece was inspired by a letter in Kahlo’s journal written to Rivera:
To feel myself trapped, with no fear
of blood, outside time and magic,
within your own fear,
and your anguish, and
within the very beating of your heart.
All this madness, if I asked it of you,
I know, in your silence, there would be,
only confusion.
I ask you for violence, in the nonsense,
And you, you give me grace, your light and your warmth.
Johnsen Newman’s piece depicts only Kahlo’s eyes because they reflect the intensity of her spirit. In her portraits, Kahlo’s iconic gaze is always focused on the viewer – it is direct, fearless, and quite piercing.
Para Barbara Johansen Newman, la vida de Frida Kahlo es infinitamente inspiradora. Su espíritu por vivir, amar y crear — un espíritu que no se rendía ante sus problemas físicos y dolor — es un recordatorio para que todos aprovechemos cada momento, nos metamos de lleno en el arte y aceptemos nuestras pasiones. En este trabajo, el retrato de Diego en la frente de Kahlo es un reconocimiento del autorretrato de Kahlo, Diego en mi pensamiento. El título de la pieza de Johansen Newman hace referencia a una carta en el diario de Kahlo que ésta le escribió a Rivera.
Sentirme encerrada, sin miedo
a la sangre, sin tiempo ni magia,
dentro de tu mismo miedo,
y dentro de tu gran angustia,
y en el mismo ruido de tu corazón.
Toda esta locura, si te la pidiera,
yo sé que sería, para tu silencio,
solo turbación.
Te pido violencia, en la sinrazón,
y tú, me das gracia, tu luz y calor.
Johnny Karwan, San Francisco, CA
Naturaleza, 2016, acrylic on paper
Johnny Karwan’s piece, Naturaleza, reflects the feeling of exotic abundance in the form of a tropical still life. The vibrant color palette reminds the viewer of the bright and beautiful landscapes of Mexico, the home of the equally exquisite Frida Kahlo.
La pieza de Johnny Karwan, Naturaleza, refleja la sensación de abundancia exótica en la forma de una naturaleza muerta tropical. La paleta con colores vibrantes le recuerda al espectador los hermosos y brillantes paisajes de México, el hogar de la igual exquisita Frida Kahlo.
Lujiang Li, Flushing, NY
Frida Kahlo, 2019, woodcut, monotype, screenprint, hand embroidery, marker, acrylic, color pencil
Lujiang Li discovered Frida Kahlo’s self-portraits while taking an art history class during her freshman year of college. Li conducted further research on Kahlo and was immediately hooked by her paintings. Several years later, when Li had the chance to use her woodcut skills to create artwork, she was inspired to make her own portrait of Frida Kahlo. Li’s piece, Frida Kahlo, was printed on canvas with four layers of woodcut, and three layers of monotype screenprints. Li added hand-stitched, embroidered details to finish the piece.
Lujiang Li descubrió los autorretratos de Frida Kahlo al tomar una clase de historia del arte en su primer año de la universidad. Li investigó más sobre Kahlo y se enganchó con sus pinturas inmediatamente. Varios años después, cuando Li tuvo la oportunidad de usar sus habilidades de grabado sobre madera para crear obras de arte, se inspiró para hacer su propio retrato de Kahlo. La pieza de Li, Frida Kahlo, fue impresa en lienzo con cuatro capas de grabado sobre madera y tres capas de impresión en pantallas de monotipo. Li agregó detalles cosidos a mano y bordados para terminar la pieza.
Emilio López-Menchero, Brussels, Belgium
Trying to be Frida, 2005, photograph
A protean artist, Emilio López-Menchero is an architect, painter, photographer, and performer. For his well-known series, Trying to Be, the Belgian artist transforms himself into famous artists or celebrities: Van Gogh, Picasso, all four Beatles, and in this instance, Frida Kahlo. Through these references, López-Menchero initiates a process of reflexivity and recreation, mixing the familiar and the unfamiliar, recognition, and surprise. To personify Frida Kahlo, López-Menchero did not choose one of Kahlo’s numerous self-portraits. He instead used a photograph by Nickolas Muray, entitled Frida on White Bench, taken in 1938, which is both a frontal portrait and a composition. Kahlo often painted portraits of herself because she was the person she knew her best. Similar ideas of identity resonate in both Kahlo and López-Menchero’s work. To López-Menchero, “being an artist is a way of expressing your identity; it’s the act of constantly inventing yourself.”
Emilio López-Menchero es un artista proteico, arquitecto, pintor, fotógrafo e intérprete. Para su conocida serie, Intentando ser, el artista belga logra transformarse en un artista o celebridad famosa: Van Gogh, Picasso, los cuatro Beatles y, en este caso, Frida Kahlo. A través de estas referencias, López-Menchero inicia un proceso de reflexión y creación, mezclando lo familiar y lo extraño, el reconocimiento y la sorpresa. Para personificar a Kahlo, López-Menchero no escogió uno de los muchos autorretratos de Kahlo. En lugar de eso usó una fotografía de Nickolas Muray llamada Frida sobre una banca blanca, tomada en 1938.
Kahlo a menudo pintó retratos de sí misma porque ella era la persona que mejor la conocía. Ideas similares de identidad resuenan tanto en el trabajo de Kahlo como en el de López-Menchero. Para López-Menchero, “ser un artista es una forma de expresar tu identidad; es el acto de reinventarse constantemente”.
Katie McCann, Berkeley, CA
Frida’s Red and Frida’s Green, 2018, collage
Katie McCann’s Frida’s Red and Frida’s Green are hand-cut 3D collages that depict Frida Kahlo’s house and her garden.
Frida’s Red is about her heart and emotions. It references many of the things that she loved – butterflies, deer, and Mexico. It also reveals some of her personal artifacts, like her lipstick, her corset, and shoes. The red vines represent the intertwining of her art and life, and the spine in the center of the image links her heart to her paintbrush. The color red represents the passion and intensity with which Kahlo lived her life.
Frida’s Green is the garden of Frida’s mind. The lush vegetation and the menagerie of magical animals, birds, and insects surround and envelop Frida. By lifting the elements off the page, McCann also alludes to the Floating Gardens of Mexico City that Kahlo, and her husband, Diego Rivera, often visited.
El trabajo de Katie McCann está conformado por collages tridimensionales cortados a mano que representan la casa y el jardín de Frida Kahlo. El rojo de Frida es sobre su corazón y emociones, hace referencia a muchas de las cosas que ella amaba: las mariposas, venados y México. También revela algunos de sus artefactos personales, como pintura de labios, su corsé y zapatos. Las enredaderas rojas representan el entrelazado de su arte y vida, y la espina en el centro enlaza su corazón con su pincel. El color rojo representa la pasión e intensidad con la cual Kahlo vivió su vida.
El Verde de Frida es el jardín de la mente de Kahlo. La vegetación exuberante y la colección de animales mágicos, pájaros e insectos que rodean a Kahlo y la envuelven. Al levantar los elementos de la página, McCann también alude a los Jardínes Flotantes de la Ciudad de México que Kahlo y su esposo, Diego Rivera, visitaban frecuentemente.
Alexis McKeown, Canmore, Alberta, Canada
Frida, Bloom, and Kiss, 2017, hand–cut collage and digital illustrations
Alexis McKeown’s collage work is a lighthearted celebration of femininity, life, energy, and color. McKeown has always been inspired by Frida Kahlo’s display of feminine imagery as it is powerful, yet expresses vulnerability. In response to Kahlo’s work, McKeown began creating collage and mixed media work as an attempt to balance out the heavy feelings she has about the struggles women face all over the world. McKeown starts with either a photographic portrait she made, or a magazine portrait, and pairs it with other found images also cut from magazines and books. McKeown assembles her collages quite swiftly, going with gut decisions about which found pieces to layer on top of the photograph. After the collage is finished, she photographs it and uses digital software to create layers of illustration – again, a very swift and imperfect process – as a final touch. McKeown’s work strives to compel the viewer to slow down, take a second look, and to enjoy a sense of wonder.
El collage de Alexis McKeown es una celebración alegre de la feminidad, la vida, la energía y el color. McKeown considera la muestra de imágenes femeninas de Kahlo poderosa pero expresiva en su vulnerabilidad. En respuesta al trabajo de Kahlo, McKeown empezó a crear un collage y mezcló trabajo en medios en un intento por equilibrar los sentimientos profundos que tiene sobre las luchas a las cuales se enfrentan las mujeres en todo el mundo. McKeown empieza con un retrato fotográfico que hizo o un retrato en una revista, y lo empareja con otras imágenes encontradas, las cuales también fueron cortadas de revistas y libros. McKeown ensambla sus collages velozmente, confiando en su intuición sobre la composición. Después de terminar el collage, lo fotografía y usa software digital para crear capas de ilustración — de nuevo, un proceso muy rápido e imperfecto — como un toque final. El trabajo de McKeown obliga al espectador a detenerse, echar un segundo vistazo y disfrutar una sensación de maravilla.
Elspeth McLean, Pender Island, British Columbia, Canada
Hummingbird Kaleidoscope, 2018, acrylic on wood panel
Throughout history, the people of Mexico have admired and treasured the hummingbird for its strength of spirit, tenacity, and beauty. In Frida Kahlo’s own artwork, we see the hummingbird in her famous painting, Self-Portrait with Thorn Necklace and Hummingbird. The hummingbird’s presence in Kahlo’s work, although black and lifeless, has been interpreted as a symbol of hope. More than 50 species of hummingbirds call Mexico home, however, McLean chose to paint four different hummingbirds united together, and feeding on the same abundant blossom. Using symmetry to emit balance, the birds seem to dance as a team, and the circle of life continues and even glows.
A lo largo de la historia, los habitantes de México han admirado y atesorado al colibrí por la fortaleza de su espíritu, su tenacidad y belleza. En el propio trabajo de Frida Kahlo, vemos al colibrí en su pintura famosa, Autorretrato con collar de espinas y colibrí. La presencia del colibrí en el trabajo de Kahlo, aunque negro y sin vida, ha sido interpretada como un símbolo de esperanza.
Más de cincuenta especies de colibríes viven en México. Sin embargo, Elspeth McLean decidió pintar cuatro colibríes diferentes juntos, alimentándose de la misma flor abundante. Usando la simetría para emitir un equilibrio, los pájaros parecen bailar en conjunto y el círculo de la vida continúa e incluso brilla.
Julia McLeod, Walnut Creek, CA
Viva La Vida, 2018, silk quilt
The backgrounds of Frida Kahlo’s paintings are often rich with vegetation and animal life, loaded with symbolism and suggestion. Julia McLeod drew from this to create her quilt, Viva La Vida. Similar to one of Kahlo’s paintings, which are full of symbols, you can spot monkeys, magnolias, melons, and more in McLeod’s work. They are hidden within the green, white, and red bands of color, which honors the flag of Mexico, Kahlo’s beloved country.
Los fondos de las pinturas de Frida Kahlo a menudo estaban llenos de vegetación y animales, cargados con simbolismo y sugerencias. Julia McLeod se basó en esta inspiración para crear su edredón, Viva la Vida.
Similar a las pinturas de Kahlo, las cuales a menudo estaban llenas de símbolos emblemáticos, monos, magnolias y melones escondidos dentro de las bandas verdes, blancas y rojas, las cuales honran a la bandera de México, el país amado de Kahlo.
Kalen Meyer, Berkeley, CA
Frida’s Studio Table: mortar and pestles, glass pallet, book weight, compasses in case, round stone box, arrow, wooden case
2018, acrylic on canvas
Frida’s Studio Table: brushes in wood holder, glass bottles, round stone box, 2018, acrylic on canvas
These paintings are of Frida Kahlo’s tools, which are displayed in her studio in Mexico City. They are quite ordinary in that they are the same tools that many artists use. Frida Kahlo is now legendary, but her tools remind us that she too was a human who worked with traditional materials. Her studio materials also remind viewers of the ever-present hand in her work, as symbolized by the long-dried ink on her Japanese brushes.
Estas pinturas son de las herramientas de Frida Kahlo, las cuales aparecen en su estudio en la Ciudad de México. Son ordinarias en el sentido que son las mismas herramientas usadas por muchos artistas. Kahlo es legendaria ahora, pero sus herramientas nos recuerdan que ella era un ser humano que trabajaba con materiales tradicionales. Los materiales en su estudio también les recuerdan a los espectadores de su mano siempre presente en su trabajo, según lo simbolizado por la tinta seca en sus pinceles japoneses.
Crystal Moody, Springfield, MO
Seed of Life, 2017, acrylic
Gleefully Dabbles, 2018, acrylic on wood panel
Crystal Moody’s work is the result of reading, researching, and making connections. Moody states that she often paints portraits by examining a face as closely as a life. She mixes images from her study in her paint-by-numbers style and particularly enjoys looking for relationships between the seemingly unrelated to create connections of her own.
Of Frida Kahlo’s 143 paintings, 55 are self-portraits. Kahlo once said, “I paint self-portraits because I am the person I know best. I paint my own reality.” Moody’s Gleefully Dabbles depicts layered silhouettes of Frida created over a year of studying Kahlo’s life and work in an attempt to know her best. The title is taken from an article about Kahlo with the headline, “Wife of the Master Mural Painter Gleefully Dabbles in Works of Art.”
In Moody’s painting, Seed of Life, Kahlo’s deep desire for a child causes a baby to grow from her broken heart.
El trabajo de Crystal Moody es el resultado de leer, investigar y hacer conexiones. Para pintar retratos, Moody mezcla imágenes de su estudio en su estilo de pintar de acuerdo con los números y disfruta buscar las relaciones entre cosas que parecieran no estar relacionadas para crear sus propias conexiones.
De las 143 pinturas de Frida Kahlo, 55 son autorretratos. Kahlo dijo una vez: “Pinto autorretratos porque soy la persona a quien mejor conozco. Pinto mi propia realidad”. En la pintura de Moody, Semilla de vida, el deseo profundo de Kahlo de tener un hijo causa que un bebé crezca de su corazón roto.
Nancy Mozelsio, Walnut Creek, CA
Frida Kahlo Wall Hanging, 2018, acrylic and yarn crochet
Nancy Mozelsio is a full-time physician, and part-time artist, and crafter. Mozelsio has always admired the art and spirit of Frida Kahlo and has completed several crocheted items in her likeness. Her original intention for the piece featured in The World of Frida exhibition was to create a smaller wrapped canvas with the crocheted image, but as the project took off, she deviated from her plan, and her piece, Frida Kahlo Wall Hanging took form. Mozelsio added the Mexican-inspired fringe as a final detail to honor Frida’s heritage, and to make it a bit more unique.
Nancy Mozelsio es doctora a tiempo completo y artista y artesana a medio tiempo. Mozelsio siempre ha admirado el arte y el espíritu de Frida Kahlo, y completó varias cosas hechas en crochet a su semejanza. Su intención original para esta pieza fue crear un lienzo más pequeño y envuelto con la imagen en crochet, pero conforme el proyecto iba avanzando, se desvió de su plan y creó el Tapiz de Frida Kahlo. Mozelsio agregó el fleco con inspiración mexicana como un detalle final para honrar el patrimonio cultural de Kahlo.
Laurina Paperina, Rovereto, Italy
Frida Parrot, 2018, mixed media on paper
Italian artist Laurina Paperina pokes fun at art and life in her morbidly humorous paintings, drawings, installations, sculptures, animations, and photographs. Paperina often ridicules the self-importance endemic to the artistic enterprise, as well as politics, religion, and pop culture, through her cartoonish caricatures. Her focus and subject matter has included Frida Kahlo, Picasso, Marina Abramović, Takashi Murakami, among others.
La artista italiana, Laurina Peperina, se burla del arte y la vida en sus pinturas, dibujos, obras, esculturas, animaciones y fotografías mórbidamente humorísticas. Paperina a menudo ridiculiza la importancia personal endémica de la empresa artística, así como la política, religión y cultura popular, a través de sus caricaturas. Su enfoque y el tema incluyen a Frida Kahlo, Pablo Picasso, Marina Abramović, Takashi Murakami, entre otros.
Jazmine Parra, Moraga, CA
Viva La Huelga, 2018, graphite on skateboard deck
Jazmine Parra grew up in California’s Central Valley where a large Latinx population works the field, picking and pulling agriculture for the United States. Parra chose to use an image of Frida Kahlo – an image synonymous with strength and endurance – to represent the Latinx farmworkers of America. Kahlo is depicted with a fruit basket atop her head and the words, Viva La Huelga, is written in script below Kahlo’s bust, along with a drawn image of a field. The term, Viva La Huelga, was made famous in the 1970s by civil rights activists, César Chávez and Dolores Huerta of the United Farm Workers union, and has served as a battle cry for decent living wages, affordable, clean and safe housing, and the right to be represented by a union. Huelga, or strike, is one of the most effective and powerful tools a worker can use to fight employment injustice and corporate greed, and the call to action helped spread awareness and mobilized unity and strength within the farmworker population.
Parra’s artwork is a critical view of social, political, and cultural issues concerning Latinx exploitation within the U.S. However, her work also highlights the beauty, strength, and pride of the Latinx community. Seeking both empowerment and respect for the Latinx community, Parra poses the question, “immigrant farmworkers feed us, but does our consumption feed them?”
Jazmine Parra creció en el valle central de California, en donde una gran parte de la población latina trabaja en el campo, cosechando y extrayendo productos agrícolas para los Estados Unidos. Parra decidió usar una imagen de Frida Kahlo — una imagen que es sinónimo de la fortaleza y resistencia para representar a los granjeros latinos de América —. Kahlo está representada con una canasta de frutas encima de su cabeza y las palabras Viva la Huelga están escritas en letra de carta debajo del busto de Kahlo, junto con una imagen de los campos.
El arte de Parra toma una visión crítica de los problemas sociales, políticos y culturales relacionados con la explotación de los latinos dentro de los Estados Unidos. Sin embargo, su trabajo también resalta la belleza, fortaleza y el orgullo de la comunidad latina. Buscando tanto el empoderamiento y el respeto de la comunidad latina, Parra hace la siguiente pregunta: “Los granjeros inmigrantes nos alimentan pero, ¿nuestro consumo los alimenta a ellos?”
Chiara Passigli, Milan, Italy
Untamed, 2018, acrylic on paper
Italian artist Chiara Passigli’s piece, Untamed, was directly influenced by Frida Kahlo’s surreal self-portrait, The Wounded Deer, which depicts a deer with the head of Kahlo that has been shot multiple times with arrows, and was fatally wounded. Kahlo painted The Wounded Deer to represent the pain and suffering she endured after a failed back surgery. Passigli chose to paint several animals – all with human heads, but none fatally wounded to represent the sense of wild femininity and endurance of Frida Kahlo.
La pieza de Chiara Passigli, Desenfrenada, tuvo la influencia directa del autorretrato surreal de Frida Kahlo, El venado herido, el cual muestra a un venado con la cabeza de Kahlo al cual se le disparó muchas veces con flechas y que fue herido de gravedad. Kahlo pintó El venado herido para representar el dolor y el sufrimiento que soportó después de una cirugía de espalda fallida. Passigli decidió pintar a varios animales, todos con cabezas de humanos pero no con heridas de gravedad, para representar la sensación de feminidad salvaje y la resistencia de Kahlo.
Karen Provost, Townsend, MA
My Frida, 2017, mixed media collage on wood panel
For Karen Provost, and many other women, Frida Kahlo has become an iconic figure of perseverance and feminism. She embodied the feminist struggle to be recognized as an artist in her own right during a period of heavy male dominance in the art world. Her unique cultural dress along with her infamous unibrow has made her into a highly marketed cult figure that appears on all manner of items in boutiques around the world. Karen Provost’s mixed media collage is based on a 1940s self-portrait of Frida, which was dedicated to Dr. Leo Eloesser, Kahlo’s most trusted medical advisor. For the collage, My Frida, Provost chose papers with floral illustrations representing Kahlo’s love of nature, encyclopedia pages about Mexico and Mexican iconography to represent her pride in her country, and medical journal pages chronicling her life-long health difficulties. Once the collage work was complete, Provost then drew and painted details on top of the collage.
Para Karen Provost y para muchas otras mujeres, Frida Kahlo se convirtió en una figura icónica de la perseverancia y el feminismo. Ella representa la lucha feminista para ser reconocida como una artista por derecho propio durante un período de dominancia masculina en el mundo del arte. Su vestimenta cultural única, junto con su ceja infame, la convirtieron en una figura de culto altamente comercializada que aparece de todas formas en tiendas alrededor del mundo. El collage de medios varios de Provost está basado en un autorretrato que Kahlo pintó en la década de los 40, el cual estaba dedicado al Dr. Leo Eloesser, el asesor médico en quien Kahlo más confiaba. Para el collage, Mi Frida, Provost escogió papel con ilustraciones florales que representan el amor por la naturaleza de Kahlo, páginas de enciclopedias sobre México e íconos mexicanos para representar su orgullo cultural y páginas de revistas médicas para abordar los problemas médicos que tuvo durante toda su vida. Cuando el collage estuvo terminado, Provost dibujó y pintó detalles encima del collage.
Irene Raspollini, Scalvaia, Italy
Cuidado (Care), 2018, acrylic on canvas
Espinas (Thorns), 2018, acrylic on canvas
Irene Raspollini’s artwork in The World of Frida exhibition were first featured in the artist’s show in Nezahualcòyotl, Mexico, which was her first solo show outside her home country of Italy. The series, Obras Mexicanas, was inspired by lucha libre, or Mexican wrestling.
Raspollini’s piece, Espinas (Thorns) is about the different aspects of human relations. The juicy and sweet aspects of a new relationship can often be unveiled only if some harsh moments are experienced, the same way we can enjoy the sweetness of a prickly pear after removing its spiky peel. The painting is also an homage to Mexican cinema about lucha libre, a very popular film genre in Mexico, and to the great master luchador, Huracàn Ramìrez, the wrestling name donned by actor Daniel García Arteaga (1926-2006).
The piece, Cuidado (Care) was inspired by the famous luchador, Rayo de Jalisco Sr. The woman repairing the luchador’s mask suggests that even the strongest person needs love and help to overcome the hardest difficulties. Raspollini stresses that it is not her intention to minimize gender roles nor deny women empowerment. To Raspollini it is clear that the pillar of the scene is the woman!
La serie de Irene Raspollini, Obras Mexicanas, está inspirada por la lucha libre o lucha mexicana. La obra Cuidado está inspirada en el famoso luchador, Rayo de Jalisco Sr. La mujer que repara la máscara del luchador sugiere que incluso la persona más fuerte necesita amor y ayuda para poder sobreponerse a las mayores dificultades. Raspollini resalta que su intención no es minimizar los papeles de género ni negar el empoderamiento femenino. En lugar de ello, Raspollini cree que está claro que la mujer es el pilar de las escenas en su trabajo.
Irene Raspollini, Scalvaia, Italy
Cuidado (Care), 2018, acrylic on canvas
Espinas (Thorns), 2018, acrylic on canvas
Irene Raspollini’s artwork in The World of Frida exhibition were first featured in the artist’s show in Nezahualcòyotl, Mexico, which was her first solo show outside her home country of Italy. The series, Obras Mexicanas, was inspired by lucha libre, or Mexican wrestling.
Raspollini’s piece, Espinas (Thorns) is about the different aspects of human relations. The juicy and sweet aspects of a new relationship can often be unveiled only if some harsh moments are experienced, the same way we can enjoy the sweetness of a prickly pear after removing its spiky peel. The painting is also an homage to Mexican cinema about lucha libre, a very popular film genre in Mexico, and to the great master luchador, Huracàn Ramìrez, the wrestling name donned by actor Daniel García Arteaga (1926-2006).
The piece, Cuidado (Care) was inspired by the famous luchador, Rayo de Jalisco Sr. The woman repairing the luchador’s mask suggests that even the strongest person needs love and help to overcome the hardest difficulties. Raspollini stresses that it is not her intention to minimize gender roles nor deny women empowerment. To Raspollini it is clear that the pillar of the scene is the woman!
La serie de Irene Raspollini, Obras Mexicanas, está inspirada por la lucha libre o lucha mexicana. La obra Cuidado está inspirada en el famoso luchador, Rayo de Jalisco Sr. La mujer que repara la máscara del luchador sugiere que incluso la persona más fuerte necesita amor y ayuda para poder sobreponerse a las mayores dificultades. Raspollini resalta que su intención no es minimizar los papeles de género ni negar el empoderamiento femenino. En lugar de ello, Raspollini cree que está claro que la mujer es el pilar de las escenas en su trabajo.
Kat Reilly, Redwood City, CA
What Held Her Up II, 2019, cut paper and acrylic
There are many iconic photos of Frida Kahlo, but very few of them showcase the artifacts that literally held her up: Kahlo’s surgical braces, casts, and prosthetic limbs. Kat Reilly chose these items as the subject of her series, What Held Her Up. These items—though medical in nature–are beautiful in their own right. They represent both the pain that fueled Kahlo’s art, as well as the support that she needed to endure a trauma-filled life.
Reilly’s piece featured in The World of Frida exhibition pays homage to Kahlo’s body brace. Surrounded by marigolds, the leg sits within a shrine-like setting resembling the ofrendas created during Mexico’s Día de los Muertos celebrations. The medium, cut paper, also complements the subject. When cut and sculpted, paper is both fragile and strong throughout its creative lifespan, as was Kahlo. The pain may have made her fragile, but it—along with her medical apparatuses—also made her strong and one of the most beloved artists of the 20th Century.
Hay muchas fotos icónicas de Frida Kahlo, pero pocas de ellas demuestran los artefactos que la mantuvieron literalmente de pie: Los aparatos quirúrgicos, yesos y extremidades prostéticas de Kahlo. Reilly escogió estos elementos como el tema de su serie, Lo que la mantuvo de pie. Estas cosas, si bien de naturaleza médica, son hermosas por sí solas. Ellas representan tanto el dolor que alimentó el arte de Kahlo como el soporte que necesitaba para afrontar una vida llena de traumas.
La pieza de Kat Reilly que aparece en esta exposición le rinde homenaje al corsé corporal de Kahlo. Rodeado de caléndulas, su aparato ortopédico está sobre un santuario similar a las ofrendas creadas durante el Día de los Muertos en México. El medio, papel cortado, también complementa el tema. Cuando es cortado y esculpido, el papel es frágil y fuerte a lo largo de su vida creativa, al igual que Kahlo. El dolor podrá haberla hecho frágil pero este, junto con sus aparatos médicos, también la hizo fuerte y una de las artistas más amadas en el siglo XX.
Pete Rodriguez, Bronx, NY
Frida la Soldadera, 2018, acrylic on canvas
Frida Kahlo has always been linked to the Mexican Revolution. Although she was born in 1907, Kahlo identified with the year 1910 as her birth year, which was the year of the Mexican Revolution, and the modernization of her homeland. In Rodriguez’s painting, Frida la Soldadera (Frida The Soldier), Kahlo is depicted in a firm, fearless stance. Her gaze pierces the onlooker, and a sense of trepidation is left with the viewer. She is safeguarding the space.
La conexión de Frida Kahlo con la revolución mexicana es infame. Si bien ella nació en 1907, Kahlo identificó el año de 1910 (el año de la revolución mexicana) como el año de su nacimiento. En la pintura de Rodríguez, Frida la soldadera, Kahlo es representada en una posición firme e intrépida. Su mirada penetra al espectador, quien se queda con una sensación de inquietud. Ella está salvaguardando el espacio.
Amanda Rosenblatt, Jacksonville, FL
Allegory of Two Women, 2018, inkjet on paper
Amanda Rosenblatt’s Allegory of Two Women is one of a three image series that draws inspiration from the works and ideas of Frida Kahlo. The image is a depiction of the space between adolescence and womanhood when personal development is at its most vulnerable. This is a time that is often shaped by superficial things, such as one’s appearance or status, along with deeper struggles such as sexuality or political ideals. The subject’s gaze is one that should engage the audience by offering a sense that she is looking within them and beyond them for greater truth.
La Alegoría de dos mujeres de Amanda Rosenblatt es una de una serie de tres imágenes inspirada en el trabajo y las ideas de Frida Kahlo. La imagen es una representación del espacio entre la adolescencia y la feminidad cuando el desarrollo personal es más vulnerable. Este es un tiempo que a menudo está formado por cosas superficiales, como la apariencia o el estado de la persona, junto con luchas más profundas como la sexualidad o los ideales políticos. La mirada del sujeto debería atraer a la audiencia, dándoles la sensación de que ella está viendo dentro de ellos y aún más allá para encontrar la verdad.
Martin Segobia, Lafayette, CA
States of Frida, 2018, acrylic and ink on US currency
Martin Segobia’s U.S. currency portraits (what he refers to as “Dollar Re–facing”) is an exploration of the concept of propaganda. Segobia is interested in replacing dead U.S. presidents with artists and athletes, especially with people of color. By “re–facing” dollar bills, Segobia is pushing a different agenda, a sort of propaganda of inclusiveness into our social circulation. For Segobia, the image of Frida Kahlo serves not only as a strong symbol for women but also for immigrants in America, which is an important subject matter for Segobia who is an immigrant from Buenos Aires, Argentina.
Los retratos en moneda de los Estados Unidos creados por Martín Segobia (lo que él conoce como “reinvención del dólar”) es una exploración del concepto de propaganda. Segobia está interesado en reemplazar a los presidentes muertos de los Estados Unidos con artistas y atletas, especialmente con personas de color. Al “reinventar” los billetes de dólares, Segobia impulsa una agencia diferente, un tipo de propaganda de inclusividad, en nuestra circulación social. Para Segobia, la imagen de Frida Kahlo sirve no solo como un símbolo sólido para las mujeres, sino que también para los inmigrantes en los Estados Unidos, el cual es un tema importante para Segobia como inmigrante de Buenos Aires, Argentina.
Jennifer Shada, San Francisco, CA
Bufanda De Seda, 2018, watercolor on paper
Jennifer Shada’s work investigates concepts of home, loss, and the irreversible quality of time. Shada unpacks the meaning of the word still; the lack of motion, the perpetual feeling, a deep silence, or calmness. In a world full of fast-paced progression, politics, and problems, her paintings focus on the quiet, the domestic, and the time in which this all takes place, forcing the viewer to catch up with their stillness. Shada’s recent work features watercolor images of draped fabric. They rest in a space unclear of location, and their history or purpose is left unanswered. The suspended textiles create frozen moments in an overwhelmingly chaotic and busy world.
In March of 2018, Shada visited La Casa Azul Museo Frida Kahlo in Mexico City. Photographs, paintings, tapestries, and furniture all remain as when Kahlo last touched them. Shada was drawn to Kahlo’s clothing as they served as an expression of who she was. Shada subsequently narrowed in on a portrait of Frida adorned with a red rebozo, a long, flat textile that serves a variety of purposes. Shada’s painting, Bufanda De Seda, is a representation of that portrait, as well as capturing a still moment in time.
El trabajo de Jennifer Shada investiga los conceptos del hogar, la pérdida y la calidad irreversible del tiempo. Shada desempaca el significado de la palabra quieta: la falta de movimiento, el sentimiento perpetuo, un silencio profundo de tranquilidad. En un mundo lleno de progreso rápido, política y problemas, sus pinturas se enfocan en el silencio, el hogar y el tiempo en el cual todo esto se lleva a cabo, forzando al espectador a alcanzar su quietud. El trabajo reciente de Shada presenta imágenes de acuarelas de tela drapeada. Estas descansan en un espacio cuya ubicación no es clara y su propósito no ha sido respondido. Las telas suspendidas crean momentos congelados en un mundo abrumadoramente caótico y ocupado.
En marzo de 2018, Shada visitó el Museo Frida Kahlo, la Casa Azul, en la Ciudad de México. Las fotografías, pinturas, el tapiz y los muebles continúan de la misma forma en la que estaban la última vez que Kahlo los tocó. Shada se sintió atraída a la ropa de Kahlo, ya que ésta sirve como expresión de quién era ella. Shada luego se enfocó en un retrato de Frida adornado con un rebozo rojo, un pedazo largo y plano de tela que puede ser usado de muchas formas. La pintura de Shada, Bufanda de seda es una representación de ese retrato y captura un momento quieto en el tiempo.
Juan Solis, Perris, CA
Corazon de Frida, 2018, acrylic on canvas
Frida Kahlo is Juan Solis’ favorite painter; her life and artwork have influenced his own art in many ways. He also deeply admires Kahlo’s strength in her own life struggles, her way of dealing with pain and sorrow, her love story with Diego Rivera, and her love for life itself. Kahlo’s life was full of contrasts, which is what Solis wanted to display in his painting, Corazon de Frida (Frida’s Heart) – his homage to Frida Kahlo. Death (her skeleton), life (nature surrounding her), the human heart, the fetus, the broken spinal column are symbols of her complex life story.
Frida Kahlo es la pintora favorita de Juan Solís. Su vida y su arte han influido su propio arte de muchas maneras. Él admira profundamente la fortaleza de Kahlo en los desafíos de su vida, su forma de lidiar con el dolor y la melancolía, su historia de amor con Diego Rivera y su amor por la vida misma. La vida de Kahlo estaba llena de contrastes, que es lo que Solís quería resaltar en su pintura. La muerte (su esqueleto), vida (naturaleza), el corazón humano, el feto y la columna espinal rota son símbolos de su historia de vida tan compleja.
Clare Szydlowski, Burlingame, CA
Still Life with Bougainvillea and Fruit, 2018, hand-pulled silkscreen print, edition 2/14
Later in her life, Frida Kahlo created a series of still life paintings that featured the fruits of her homeland of Mexico. One of these still life paintings, Naturaleza Muerta con Loro y Fruta (Still life with Parrot and Fruit), served as the inspiration for Clare Szydlowski’s silkscreen print, Still Life with Bougainvillea and Fruit. She used elements of Kahlo‘s original composition but changed the subjects to fruits and flowers that reflect Szydlowski’s home state of California.
Más a finales de su fida, Frida Kahlo creó una serie de pinturas de naturaleza muerta que presentaban las frutas en su país natal. Una de estas pinturas, Naturaleza muerta con loro y fruta sirvió como inspiración para la serigrafía de Clare Szydlowski. Usando elementos de la composición original de Kahlo, ella cambió los temas a frutas y flores que reflejan el estado natal de Szydlowski, California.
Shannon Taylor, Oakland, CA
Frida, Sky & Earth, 2019, watercolor
Frida Kahlo was electric – someone so brimming with incandescent talent, that to Shannon Taylor, Kahlo’s stardom illuminated the whole night sky. Her power and perspective were conceived through a currency of pain and misfortune. Nevertheless, her relationship to the feminine, her culture, and to survival, carved altars in the hearts of every woman, artist, and kindred spirit who has seen her work. To think of Frida Kahlo is to imagine something lovely, wild, and broken; someone made more beautiful by damage.
Frida Kahlo fue eléctrica, alguien que rebosaba tanto talento incandescente que, para Shannon Taylor, el estrellato de Kahlo iluminaba todo el cielo nocturno. Su poder y perspectiva fueron concebidos a través de la moneda del dolor y la mala fortuna. Sin embargo, su relación con lo femenino, su cultura y la sobrevivencia, talló altares en los corazones de todas las mujeres, artistas y espíritus afines que han visto su trabajo. Pensar en Kahlo es imaginar algo hermoso, salvaje y roto; alguien que se vuelve más hermoso con el daño.
Tara Ahern, Mariam Pare, and Reveca Torres, Prospects Heights, IL
Dos Fridas Recreation, 2015, photography and digital media
Reveca Torres and Mariam Pare, two artists paralyzed by a spinal cord injury, met online and bonded through art, injury, and a deep connection to Frida Kahlo. Soon after, they decided to recreate Frida Kahlo’s painting, Dos Fridas, using photography, making their own costumes, and inserting themselves in the image sitting in their wheelchairs. Photographer and disability advocate, Tara Ahern, connected to the project through her own experience as a woman with muscular dystrophy and scoliosis, as well as through her shared love for Frida Kahlo.
The women often discussed their experience as people with disabilities, and how they could utilize their individual experiences, and artistic talents, to produce and innovate thought-provoking art. Their resulting collaborative image, Dos Fridas Recreation, is a bold statement to the world: “We are strong, resilient, creative and beautiful!”
Revecca Torres y Mariam Pare, dos artistas paralizadas debido a lesiones de la columna vertebral, se conocieron en línea y se hicieron amigas debido al arte, lesiones y su conexión profunda con Frida Kahlo. Poco tiempo después, decidieron recrear la pintura de Kahlo, Dos Fridas, usando fotografías, haciendo sus propios disfraces e insertándose en la imagen, sentadas en sus sillas de ruedas. La fotógrafa y defensora de los discapacitados, Tara Ahern, se involucró en el proyecto a través de su propia experiencia como una mujer con distrofia muscular y escoliosis, así como por el amor que compartía por Kahlo.
Las mujeres a menudo discutían su experiencia como personas con discapacidades y cómo podían usar sus experiencias individuales y sus talentos artísticos para producir e innovar arte que provocara reflexión. La imagen colaborativa resultante es una declaración audaz para el mundo: ”¡Somos fuertes, creativas y hermosas!”.
Anna Valdez, San Francisco, CA
Windowsill, 2017, archival pigment print of oil & acrylic painting
Ways of Seeing, 2017, archival pigment print of oil & acrylic painting
Artist Anna Valdez examines the relationship between material and cultural identity through painting, drawing, printmaking, collage, and digital media. Valdez incorporates into her work objects found in domestic spaces such as plants, textiles, vessels, and keepsakes as a method of storytelling. Her colorful work invites the viewer to consider objects as emblems of personal and collective experiences, shifting between still life and portraiture.
Anna Valdez examina la relación entre la identidad material y cultural a través de la pintura, el dibujo, el grabado, el collage y los medios digitales.
Valdez incorpora en su trabajo objetos encontrados en espacios domésticos como plantas, telas, recipientes y recuerdos como un método para contar historias.
Su trabajo colorido invita al espectador a pensar en objetos como emblemas de experiencias personales y colectivas, moviéndose entre naturaleza muerta y retratos.
Martin Francisco Valenzuela, Dalton, GA
Frida Kahlo, 2018, acrylic
Growing up in Odessa, Texas, Martin Francisco Valenzuela committed himself to art. The 1970s was void of advanced technology, like the internet and video games, so Valenzuela found comfort in pencil and paper. Art was his emotional outlet and Valenzuela created many sketches throughout his childhood and into his adult life. He hopes his artwork will leave an ever-lasting imprint on the world, like the work of artists he deeply admires: Pablo Picasso, Diego Rivera, and the incomparable Frida Kahlo. They have all left amazing artistic legacies to the world.
Al crecer en Odessa, Texas, Martín Francisco Valenzuela se comprometió con el arte. La década de los 70 era un vacío de tecnología avanzada, como el internet y los videojuegos, así que Valenzuela encontró consuelo en el lápiz y el papel. El arte fue su escape emocional y Valenzuela creó muchos dibujos a lo largo de su niñez y en su vida adulta. Él espera que su arte deje una impresión duradera en el mundo, como el trabajo de los artistas a quienes tanto admira: Pablo Picasso, Diego Rivera y la incomparable Frida Kahlo. Todos dejaron legados sorprendentes en el mundo.
Maya Vera, Tucson, AZ
Colonial Chic, 2016, archival inkjet print
Born on a small island in Sitka, Alaska to a Caucasian father and Latina mother, artist Maya Vera’s knowledge and relationship to her Mexican culture came exclusively from her mother and grandmother, both immigrants from Guadalajara, Mexico. Through her artwork, Vera seeks to explore her ethnicity and identity.
Vera’s piece, Colonial Chic from her photographic series, Latina, sets a stage in which preconceived notions of Latin and American cultures collide. Her performance-based photographs recognize the complexities in representation and challenge the context of how Latina populations are viewed in the U.S. The characters portrayed claim the ironic, uncomfortable, and humorous ways in which color, objects, and the female body are consumed and displayed. They also expose the absurdities that are linked to misconceptions about Mexican Americans that are often fueled by popular culture, politics, and the media. For Vera, her work is a reclamation of what it means to be Latina in today’s America.
Nacida en una pequeña isla en Sitka, Alaska, hija de un padre caucásico y una madre latina, el conocimiento de Maya Vera y su relación con su cultura mexicana provino exclusivamente de su madre y su abuela, ambas inmigrantes de Guadalajara, México. A través de su trabajo, Vera busca explorar su etnicidad e identidad.
La pieza de Vera, Moda colonial de su serie fotográfica, Latina, prepara un escenario en el cual se reúnen las nociones preconcebidas de las culturas latina y estadounidense. Sus fotografías basadas en el desempeño reconocen las complejidades de la representación y desafían el contexto de cómo las poblaciones latinas son vistas en los Estados Unidos. Los personajes representados firman las formas irónicas, incómodas y humorosas en las cuales el color, los objetos y el cuerpo femenino son consumidos y demostrados. También exponen la absurdidad vinculada con las concepciones erróneas sobre los estadounidenses mexicanos que a menudo se ven alimentadas por la cultura popular, la política y los medios. Para Vera, su trabajo es un reclamo de lo que significa ser latina en los Estados Unidos de hoy en día.
Carlos Villez, San Jose, CA
Parakata Poderosa, 2016, giclée on canvas, edition 4/50
Vuelva Parakata Ponderosa, 2019, embelished giclée on canvas
Frida Kahlo has been Carlos Villez’s artistic muse for many years as he honed his skills as a self-taught artist. Villez has created many paintings of Frida throughout his career, but his piece Parakata Ponderosa is particularly special to him as it expresses his shared love of Mexican culture. Villez is originally from the state of Michoacán in Mexico, a state that is known for its monarch butterfly sanctuary. The word parakata means “butterfly” in the Michoacán Tarascan indigenous language and ponderosa in Spanish means “powerful.” Villez’s work is his homage to the powerful and beautiful butterfly that Frida is to him.
Frida Kahlo fue la musa artística de Carlos Villez durante muchos años mientras él perfeccionaba sus habilidades como artista autodidacta. Villez ha creado muchas pinturas de Kahlo a lo largo de su carrera, pero Parakata Ponderosa es particularmente especial para él ya que expresa el amor que comparte por la cultura mexicana. Villez es originario del estado de Michoacán en México, un estado conocido por su santuario de mariposas monarcas. La palabra parakata significa “mariposa” en el idioma indígena Tarascan de Michoacán, y ponderosa significa “poderosa”. El trabajo de Villez es un homenaje a la poderosa y hermosa mariposa que Frida es para él.
Roberto Voorbij, Amsterdam, Netherlands
Portrait 39: Kahlo, 2018, giclée print on Klein Imaging smooth rag paper
Roberto Voorbij is an interdisciplinary artist working with readymade materials, as well as 3D software, video, and digital collage. Voorbij’s Portrait 39: Kahlo is part of the ongoing series, Artist Portraits, which was originally commissioned by ARTISTS NOT ARMIES, an online social media group. All portraits in Voorbij’s series follow the same concept: an artist portrait in which the face of the artist is replaced by one of their most significant artworks or other symbolic imagery. For Voorbij’s Frida portrait, the facial flowers are drawn from the motif in Kahlo’s clothing, the floral pattern in the background, and the floral crown atop Frida’s head. By filtering Kahlo’s face with flowers, she almost dissolves into the background. The central flower is that of the pear cactus, a symbol for transiency and vulnerability. Flowers are often found in still life portraits, and thus Voorbij suggests that referencing a still life may also reflect Kahlo’s unstable marriage to the artist, Diego Rivera. It too was fleeting, and perhaps never meant to last.
Roberto Voorbij es un artista interdisciplinario que trabaja con materiales listos, así como con software 3D, videos y collages digitales. Retrato 39: Kahlo es parte de una serie continua, Retratos de artistas, la cual fue encargada originalmente por ARTISTS NOT ARMIES, un grupo en las redes sociales. Todos los retratos en la serie de Voorbij siguen el mismo concepto: un retrato de un artista en el cual el rostro del artista es reemplazado por una de sus obras más significativas u otras imágenes simbólicas. Para el retrato de Frida Kahlo hecho por Voorbij, las flores que cubren su rostro están dibujadas del diseño en la ropa de Kahlo, el patrón floral en el fondo y la corona de flores encima de la cabeza de Kahlo. Al filtrar el rostro de Kahlo con flores, ella casi se disuelve con el fondo. La flor central es la de un cactus de pera, un símbolo de transitoriedad y vulnerabilidad. Las flores a menudo se encuentran en retratos de naturaleza muerta y, por lo tanto, Voorbij sugiere que hacer referencia a una naturaleza muerta también puede reflejarse en el matrimonio inestable de Kahlo con el artista Diego Rivera. El mismo también fue fugaz e incluso tal vez nunca estuvo destinado a durar.
Lin Wei, San Francisco, CA
Welcoming Frida to My Imagination, 2018, oil painting
Artist Lin Wei became aware of Frida in 1994 when she pulled a small book of Kahlo’s paintings off a bookshelf at a local library. Wei was struck by her look, pain, personality, painting style, and story. Everything about her was so unique. Wei saw Kahlo exposing her passions, anguish, and pain to the world, and it was exactly what Wei had been discouraged from doing during her early years of painting. And here Kahlo was, depicted in a small book, bravely telling her truth. From that point on Wei wanted to paint Frida.
As Wei thought about her painting, she was deeply struck by Kahlo’s look; the way she dressed, her face, and hair. Her hair pulled up with flowers reminded Wei of traditional Chinese hairstyles. Wei imagined how she would look living in China, and thus her painting, Welcoming Frida to My Imagination was born. Knowing that Kahlo loved animals, Wei added a miniature panda and a xi que, a bird that represents good luck. A bamboo tree is also featured (for the panda to enjoy) and in the shade grows a plant that Wei says she has seen in Frida’s paintings. Wei’s resulting work is a successful hybrid of cultures and imagery that reflect Frida Kahlo’s worldwide recognition and inspiration.
Lin Wei escuchó sobre Frida Kahlo en 1994 cuando encontró un libro pequeño de las pinturas de Kahlo en un estante en su biblioteca local. Wei se sorprendió por su mirada, dolor, personalidad, historia y el estilo de su pintura. Todo lo relacionado con ella era único. Wei vio a Kahlo exponiendo sus pasiones, angustia y pinturas al mundo y fue exactamente lo que a Wei le habían dicho que no hiciera durante sus primeros años con la pintura. Y allí estaba Kahlo, en un libro pequeño, contando su verdad de forma valiente. A partir de ese momento, Wei quiso pintar a Kahlo.
Conforme Wei pensaba en su pintura, se sorprendía por la apariencia de Kahlo: la forma en la que se vestía, su rostro y su cabello. Su cabello recogido con flores le recordaba a Wei a los estilos de cabello tradicionales en China. Sabiendo que Kahlo amaba a los animales, Wei agregó un panda miniatura y un xi que, un pájaro que representa la buena suerte. Un árbol de bambú en el fondo sombrea la figura. El trabajo resultante de Wei es un híbrido exitoso de culturas e imágenes que reflejan el reconocimiento mundial y la importancia de Kahlo.
Lorena Rocha Williams, El Paso, TX
Los Dos Vestidos, 2018, chine-collé print
Lorena Rocha Williams’ work is a reflection of her surroundings and vivid memories of growing up in two countries, the United States and Mexico. Her work speaks of people and traditions that refuse to be silenced, and often includes carefully chosen symbols that reflect her memories of a place, person, or time. She is also influenced by the social, economic, and political issues that impact minorities in the United States today. Rocha Williams does not limit herself to one medium or style as inspiration guides her in choosing the best way to communicate her narrative.
El trabajo de Lorena Rocha Williams es un reflejo de sus alrededores y de sus memorias vívidas al crecer en dos países, los Estados Unidos y México. Su trabajo le habla a las personas y las tradiciones que se reúsan a ser silenciadas y a menudo incluye símbolos escogidos cuidadosamente para reflejar sus recuerdos de un lugar, persona o momento. También está influenciado por los problemas sociales, económicos y políticos que afectan a las minorías en los Estados Unidos hoy en día. Rocha Williams no se limita a un solo medio o estilo, ya que la inspiración la guía al escoger la mejor forma de comunicar su narrativa.
Mimi Williams, Olympia, WA
The Bridge to the Blue House, 2018, linoleum block print
In September 2017, artist Mimi Williams traveled to Mexico with a dear friend from Argentina whom Williams had met while a student at UC Berkeley in 1967. The pair traveled through Mexico City before venturing to Oaxaca to complete an artist residency. They made a pilgrimage to the Kahlo/Rivera residences to experience the color, architecture, personal artifacts, and paintings. Williams’ piece, The Bridge to the Blue House, captures the brilliance of Frida Kahlo and Diego Rivera’s art and lives.
En septiembre de 2017, Mimi Williams viajó a México con una amiga de Argentina a quien Williams conoció al estudiar en UC Berkeley en 1967. Ambas viajaron por la Ciudad de México antes de ir a Oaxaca para completar su residencia artística. Hicieron un peregrinaje a las residencias de Kahlo/Rivera para experimentar el color, la arquitectura, los artefactos personales y pinturas. La pieza de Williams, El puente a la casa azul captura la brillantez del arte y las vidas de Frida Kahlo y Diego Rivera.
